Martin Donlin schuf vier verschiedene Designs, die durch eine Vielzahl von Texturen und Techniken in die Verglasung der Pavillons integriert wurden. Donlin entwickelte für jeden der Pavillons zwei verschiedene Themen, um das Kunstwerk mit der Metro und der umliegenden Gemeinde zu verbinden. Für den Südpavillon konzentrierte er sich auf die Ideen von „Vergangenheit“ und „Zukunft“, da Ashburn Sitz vieler Hightech-Unternehmen, Rechenzentren und „Cloud“-Betriebe ist, die Webdienste unterstützen. Der Nordpavillon konzentriert sich auf „Transport“ und „Landschaft“ und spielt damit auf die Nähe von Ashburn zum Dulles Washington International Airport und Washington, D.C. sowie auf die ländliche Umgebung des Bahnhofs an. Darüber hinaus symbolisieren die wiederkehrenden Darstellungen von Sonne und Mond in Donlins Entwurf den Beginn und das Ende des Tages sowie Hoffnung und Erneuerung – ein Thema, das sich auch in den vier Gedichten widerspiegelt, die die lokale Dichterin Kristyn Roberts Marrott speziell für den Bahnhof geschrieben hat.

Die ehemalige Kirche Saint Étienne in Attert (Belgien) wurde kürzlich nach ihrer Restaurierung und Umwandlung in ein Kulturzentrum eröffnet. Offizielle Aufzeichnungen datieren ihren Bau auf das Jahr 1587, obwohl historische Dokumente bereits frühere Spuren einer Kirche an dieser Stelle aus dem Jahr 983 erwähnen. Die neuen Buntglasfenster wurden von Jean-François Ferraton entworfen. Die Kirche steht seit 1938 unter Denkmalschutz und ist ein seltenes Beispiel für eine Hallenkirche in Wallonien mit drei gleich hohen Schiffen und Gewölben, die von zylindrischen Säulen getragen werden.

Die Fensterentwürfe beziehen sich auf die umgebende Landschaft des Ortes sowie den Flusslauf der Attert.  Im Bereich des ehemaligen Chores sind zudem Abdrücke von Blättern lokaler Bäume eingearbeitet. Das Glas ist thermisch verformt, um subtil in dem von innen als auch von außen einfallenden Licht die Dynamik des Wassers widerzuspiegeln.

Im WDR 3 Kulturfeature „Go for Trash! Der Aktionskünstler HA Schult“ von Sabine Fringes steht der Umweltkunst-Pionier HA Schult im Mittelpunkt – bekannt für seine weltweit ausgestellten „Trash People“. Die Sendung beleuchtet auch die Entstehung einer neuen Generation dieser Figuren: die „Glass People“, gefertigt aus recyceltem Glas in den Werkstätten der Glasmalerei Peters Studios.

Für die Produktion des Features besuchte das WDR-Team gemeinsam mit HA Schult die Werkstatt in Paderborn, um sich ein Bild von der künstlerischen Zusammenarbeit und der technischen Umsetzung zu machen. Die eindrucksvollen Skulpturen bestehen aus Glas, das von der Reiling Unternehmensgruppe aufbereitet wurde. Sie stehen sinnbildlich für Nachhaltigkeit, kreative Transformation und künstlerische Innovation.

Das Feature nimmt auch Bezug auf die Ausstellung „People of Glass – Human Fragility“, die bis Ende August 2025 vor dem Bamberger Dom und im Kreuzgang des Diözesanmuseums zu sehen war. Dort präsentierte HA Schult zwölf gläserne Apostel, die die Zerbrechlichkeit der Schöpfung im Zeichen von Laudato si thematisierten.

Zum Nachhören: Go for Trash! Der Aktionskünstler HA Schult – WDR 3 Kulturfeature

Intimate Distance – Künstlerstatement

“Intimate Distance” verwandelt die äußeren Glaswände der Skytrain-Station Brentwood in eine leuchtende Impression von Bewegung, Erinnerung und Verbindung. Dieses integrierte Glaskunstwerk fängt die hypnotische Poesie des Hochgeschwindigkeitsverkehrs ein – die Art und Weise, wie sich unsere Welt durch das Zugfenster auflöst und neu zusammensetzt und dabei flüchtige Intimitäten zwischen Fremden und Landschaften entstehen lässt.

Das Phänomen der Geschwindigkeit

Wenn wir mit hoher Geschwindigkeit reisen, zerbricht unsere Wahrnehmung. Objekte in unserer Nähe huschen in Farbstreifen vorbei – Gebäude, Zäune, Gras und Bäume werden zu reiner horizontaler Bewegung, zu schnell für das Auge, um sie zu erfassen, und doch irgendwie immer noch erlebbar. Weiter entfernt pulsieren Formen zwischen Erkennung und Auflösung, manchmal erscheinen sie als Objekte, manchmal nur als verschwommene Gestalten.

“Intimate Distance” übersetzt diese viszerale Erfahrung in visuelle Sprache und macht das Vergängliche dauerhaft.

Prozess und Vision

Durch umfangreiche Dokumentationen von Pendlern, die über mehrere Tage und zu verschiedenen Zeiten mit dem Skytrain unterwegs waren, haben wir das menschliche Element dieses täglichen Rituals eingefangen. Wir haben auch die Aussichten vom Endbahnhof sowohl ins Stadtzentrum als auch in die Vororte fotografiert und so die visuelle DNA dieser urbanen Lebensader gesammelt.

Diese Bilder wurden dann zu dynamischen Kompositionen aus bunten, sich verjüngenden Linien abstrahiert, die wir mit chromfarbenen, reflektierenden Elementen verwoben haben, die das tägliche Leben widerspiegeln. Das Ergebnis ist ein Werk, das den Rhythmus der Stadt selbst zum Ausdruck bringt.

Die Erfahrung der Wahrnehmung

“Intimate Distance” schafft vielfältige Seherlebnisse, die das Phänomen widerspiegeln, das es darstellt:

Aus der Nähe begegnen die Betrachter abstrakten Farbverläufen, die sich wie nasse Pinselstriche auf einer Leinwand anfühlen – pure Empfindung und Bewegung, während sich diese abstrakten Elemente aus der Ferne zu erkennbaren Bildern von Reisenden in Bewegung verbinden und Momente plötzlicher Erkenntnis und Verbindung ermöglichen. In Echtzeit reflektieren die Chromlinien die aktuellen Passagiere und machen jeden Pendler zu einem aktiven Teilnehmer an der sich ständig verändernden Komposition des Kunstwerks.

“Intimate Distance” verwandelt das Pendlererlebnis in eine Meditation über gemeinsame Bewegung und kollektive Reise. Es erinnert uns daran, dass sich hinter dem Trubel des täglichen Pendelns eine tiefgründige menschliche Geschichte verbirgt – Tausende von individuellen Reisen, die sich überschneiden und das lebendige Kunstwerk des urbanen Lebens schaffen. Das Werk dient sowohl als Spiegel als auch als Fenster: Es reflektiert unsere eigene Bewegung und bietet gleichzeitig Einblicke in die schöne Komplexität des gemeinsamen Reisens durch Zeit und Raum.

Jill Anholt, Artist

Lion Eyes (Through the Forest) ist eine beleuchtete Glasinstallation, die sich über dem Haupteingangsbereich des Downtown Connection Center (DCC) von Mountain Line befindet. Die, durch ein Raster aus kleinen Punkten, dargestellten Bilder sind von Elementen des Mountain Line-Logos und der natürlichen Schönheit von Flagstaff inspiriert, darunter ein Berglöwe (blaue Punkte), die San Francisco Peaks (grüne Punkte) und Ponderosa-Kiefern (rote Punkte).

Die dreifarbigen Schichten sind auf die Südfassade projiziert und verschmelzen an den Überlappungsstellen zu Brauntönen. Nachts beleuchten LED-Leuchten im Inneren des Gebäudes das Glas von hinten. Verschiedenfarbige Lichter heben die einzelnen Schichten der überlappenden Bilder hervor, sodass einige Bilder ihre Farbe ändern und in den Vordergrund treten, während andere in den Hintergrund treten. Wenn sich die Lichtfarbe ändert, verwandeln sich die Bilder auf magische Weise.

Beschreibung: Der Friedhof wurde 1882 in Verbindung mit der katholischen Kirchengemeinde angelegt. Aus dieser Zeit rührt die Errichtung eines Gemeinschaftskreuzes am Hauptweg. Eine Erweiterung erfolgte 1960 in nördlicher Richtung.

In der Kapelle können Trauerfeiern anlässlich von Beisetzungen auf dem evangelischen sowie auf dem katholischen Friedhof stattfinden. Aufgrund der zunehmenden Anzahl von Urnenbeisetzungen wurden zwei Anlagen für Urnenstelen errichtet. Die nicht mehr benötigten Aufbahrungsräume im Kapellengebäude wurden im Jahre 2014 zu einem Kolumbarium umgebaut.

Die Neugestaltung der Nord- und Südrosette der St. Joseph-Kirche Hannover verbindet architektonische Harmonie mit einer tiefen symbolischen Ausdruckskraft. Die Künstlerin entwickelte ein Konzept, das die zuvor asymmetrische Lichtwirkung ausgleicht – während die Südrosette durch intensiven Tageslichteinfall überstrahlt wurde, wirkte die Nordseite gedämpfter. Durch eine gezielte Farbwahl und den Einsatz von Opalgläsern entstand nun eine harmonische Balance, sodass beide Fenster eine gleichwertige Präsenz im Raum entfalten. Das Nordfenster, das zuvor im Schatten lag, strahlt nun mit einer Leuchtkraft, als würde die Sonne selbst hindurchscheinen.

Der Entwurf thematisiert auf zwei Ebenen das Leben Jesu Christi sowie die Resonanz des göttlichen Wortes. Die Bildebene zeigt Christi Geburt, Kreuzigung, (Südrosette), Auferstehung und Himmelfahrt (Nordrosette). Ergänzt wird sie durch eine Klangebene, die die Verbindung zwischen Wort und Schöpfung sichtbar macht: Durch ein Klangexperiment wurden Wasseroberflächen mit dem Ton eines Herzschlags in Schwingung versetzt – eine visuelle Übersetzung der Resonanz des Wortes Gottes. Opalgläser aus Echtantikglas kaschieren den Rahmen und verleihen den Fenstern eine schwebende Eleganz. Die Kombination aus Reliefverschmelzung, Floatglasmalerei und Laminierung intensiviert das Lichtspiel und macht die Fenster zu einem leuchtenden Zeichen der Hoffnung und Verbundenheit für die Gemeinde.

Das Jubiläumskreuz im Paderborner Dom wurde speziell für das Heilige Jahr 2025 geschaffen. Es verbindet zwei besondere Elemente, die sowohl die tief verwurzelte Geschichte als auch die zukunftsorientierte Dynamik des Erzbistums Paderborn symbolisieren: eine Replik des Benninghausener Kruzifixes und das Bistumskreuz des Erzbistums Paderborn. Diese einzigartige Kombination bildet ein Kunstwerk, das Tradition und Erneuerung in sich vereint.

Die Replik des Benninghausener Kruzifixes
Das Benninghausener Kruzifix ist eine besondere Darstellung Christi aus dem späten 11. Jahrhundert und gilt als eines der seltenen erhaltenen Kunstwerke des frühen Mittelalters. Anders als der Name suggeriert, handelt es sich beim Benninghausener Kruzifix aber nur um eine Darstellung des gekreuzigten Jesus. Das ursprüngliche Kreuz, an dem dieser Korpus angebracht war, ist verloren gegangen. Gefertigt wurde das Kruzifix in Köln um 1080.

Das Bistumskreuz des Erzbistums Paderborn
Das Bistumskreuz, das im Jubiläumskreuz integriert ist, repräsentiert die Hoffnung und die Bereitschaft des Erzbistums, sich den Herausforderungen der modernen Zeit zu stellen. Es steht für Erneuerung und den Blick nach vorn. Im Einklang mit dem Motto des Heiligen Jahres 2025, „Pilger der Hoffnung“ symbolisiert das Bistumskreuz den gemeinsamen Pilgerweg der Gläubigen in eine hoffnungsvolle Bistumszukunft.

Symbolische Vereinigung von Vergangenheit und Bistums
Das Jubiläumskreuz im Paderborner Dom vereint die historische Tiefe der mittelalterlichen Kunst mit der Bistums gerichteten Dynamik des modernen Glaubens. Es lädt die Gläubigen dazu ein, über die Kontinuität des Glaubens nachzudenken, der in der Geschichte des Erzbistums verwurzelt ist und gleichzeitig den Aufbruch in die Zukunft symbolisiert. Als Teil des Heiligen Jahres ist das Kreuz ein starkes Zeichen für die unerschütterliche Hoffnung und den Glauben, die in schwierigen Zeiten Orientierung und Trost spenden.

Beschreibung: Eine Handabschrift der Künstlerin in Mikroschrift von „Die Pest“ von Albert Camus, übersetzt von Gilbert Stuart, 1948; ein Essay „Medizin und Kolonialismus” aus „Ein sterbender Kolonialismus“ von Frantz Fanon, übersetzt von Haakon Chevalier, 1965, und Gedichte aus „Something Evergreen Called Life“, geschrieben während der Pandemie 2020 von Rania Mamoun, übersetzt von Yasmine Seale, 2023.

Albert Camus (1913–1960, Algerien/Frankreich) Romanautor und Nobelpreisträger für Literatur 1957

Frantz Fanon (1925–1961, Martinique/Frankreich) Psychiater und politischer Philosoph

Rania Mamoun (1978, Sudan) Romanautorin, Dichterin und 2019 City of Asylum Exil-Writer-in-Residence

Camus schrieb „Die Pest“ in fünf Teilen, daher die fünf Felder. Die Form des Hintergrunds des Textes basiert auf einer Karte von Oran, Algerien, der Hafenstadt, in der „Die Pest“ spielt. Die rote Grafiklinie, die sich durch das Werk zieht, basiert auf den täglichen Grafiken der Todesfälle während der Pandemie im Jahr 2020. Die braune und goldene Farbpalette basiert auf den Landfarben Nordafrikas und die blaue Farbpalette auf den Wasserfarben. Gewidmet allen Menschen weltweit, die während der Pandemie an Covid gestorben sind.

Beschreibung: Inspiriert vom Gründer von Reston, Robert E. Simon, und dessen Aussage „Man kann keine Utopie für einen Einzelnen schaffen“, entstand dieses Projekt aus einer Reihe von Interviews, die George Bates mit Mitgliedern der Gemeinde führte, um eine Vielzahl unterschiedlicher Stimmen, Geschichten, Ideen und Meinungen einzufangen.

Das Kunstwerk ist facettenreich und als Dialog konzipiert, an dem sich jeder beteiligen kann. Bates' Entwurf für den Bahnhof kann als Verweis auf künstlerische Bewegungen und Philosophien wie Brutalismus, Modernismus, Wabi-Sabi und Universal Konstruktivismus gesehen werden oder als Echo des biophilen Charakters der Geschichte Restons, die von Natur- und Umweltintegration, Wachstum und Zusammengehörigkeit geprägt ist. Es kann auch als Ausdruck emotionaler Freude erlebt werden, als „Play“ aus der Maxime „Live, Work, Play“ der Gründungsvision von Reston. Letztendlich geht es um Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft, beständige Ideen und Geschichten, die die Zeit überschreiten.

Beschreibung: In Zusammenarbeit mit der Vereinigung der Professoren der ULiège wurde eine kontemplative Bank entworfen, die sowohl ein Gebrauchsgegenstand als auch ein Kunstwerk ist. In der Nähe großer Hörsäle verankert, würdigt ihr Stahl die beständigen Traditionen der akademischen Lehre. Mit Symbolen des universellen Wissens verziert, erinnern ihre farbigen Glasplatten an die Vielstimmigkeit des kritischen Denkens und die Kühnheit wissenschaftlicher Innovation. Unter ihrer Eiche zieht die lange Prozession der Dienste, die der Gemeinschaft geleistet wurden, vorbei. Durch ihren originellen und harmonischen Ausdruck der dreifachen Mission der Universität transformiert die in das MACPA integrierte „Banc du large“ das Sitzen auf dem Campus.

Dominique Verpoorten, Professor für Lernwissenschaften und -technologien, Universität Lüttich

Beschreibung: Vom 29. März bis zum 2. November 2025 wurden im zweiten Stock des Châteaus de Chambord Glasmalereien von Pater Kim En Joong gezeigt. Die Werke griffen die religiösen und königlichen Themen des historischen Monuments auf und ließen sie in leuchtenden Farben neu erstrahlen. Die Ausstellung „Couleurs de l’invisible“ präsentierte Arbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen des Künstlers – darunter auch Glasgestaltungen, die in Zusammenarbeit mit der Glasmalerei Peters entstanden waren. Dazu zählten unter anderem Glasfenster, die 2022 für das Cabra Dominican College in Adelaide (Australien) realisiert wurden.

Beschreibung: Glasmalereien des 14. Jahrhunderts, wurden nach ihrem Ausbau im Österreichischen Bundesdenkmalamt in Wien gelagert. Wir führten 2024 eine Zustandsuntersuchung durch und erstellten ein Maßnahmenkonzept, das wir im September dieses Jahr umsetzten. Die gesamte Restaurierung erfolgte in den Werkstätten des BDA in Wien (Einbau erfolgte durch anderen Auftragnehmer). Umfangreicher und gut erhaltener mittelalterlicher Bestand, insbesondere bei den Maßwerkfeldern, die noch mittelalterliches Blei aufweisen. Wir führten eine schonende Reinigung mit Ionentauschern durch, um Korrosionskrusten auf der Innenseite auszudünnen und die Lesbarkeit im Durchlicht zu verbessern. Bei den Maßwerkfeldern mussten mehrere Schichten Farbe und Mörtel vorsichtig angelöst und Stück für Stück entfernt werden, um die darunter liegende Malerei zu erhalten.

Eine immersive Intervention aus Glas und Metall am Interdisciplinary Engineering Building, die eine dynamische, bühnenähnliche Umgebung schafft, die durch Licht und Perspektive ein sich ständig veränderndes Erlebnis umgibt und prägt. Lebendige Glasplatten interagieren mit Metallsilhouetten und bilden vielschichtige Kompositionen, die sich je nach Position des Betrachters verändern – sowohl von innen als auch von den umgebenden Außenräumen aus.
Inspiriert von Schlemmers Triadischem Ballett, in dem die menschliche Form als Kugeln, Kegel und Zylinder neu interpretiert wird, übersetzt das Projekt diese Geometrie in eine strukturelle Sprache des Ingenieurwesens – und integriert dabei Form, Bewegung und Wahrnehmung.

Beschreibung: Wie auch die anderen Fenster im Ulmer Münster wurde das Fenster "Gnade" von Thomas Kuzio entworfen.

Das einzelne Fenster auf der Nordseite ist Teil des künstlerischen Gesamtkonzeptes. Es gibt Beziehungen inhaltlich wie formal untereinander, (z.B. Kanzelrückwand) und zu den Fenstern auf der Südseite sowie zu den Chorfenstern. 

Das jeweilige Thema eines Fensters soll den Betrachter anregen diesem im Fenster zu folgen und nachzuspüren. Eine Didaktik für die Lesbarkeit des Einzelfensters gibt es nicht. Die Fenster   folgen einer ungegenständlichen Formaufassung.                                                  

Beschreibung: Dank großzügiger Spenden wurden die historischen Fenster anhand alter Fotografien originalgetreu aus mundgeblasenem Echt-Antikglas rekonstruiert. Der Rittersaal von Schloss Burg in Solingen erstrahlt wieder in seiner ursprünglichen Pracht.
Erleben Sie die Rekonstruktion der Fenster im TV-Beitrag: Lokalzeit Bergisches Land – Schloss Burg (ab Minute 9:15)

Scientia agitur – Glaslicht-Installation im Foyer des Technikums der Westsächsischen Hochschule Zwickau

Dana Meyer, 1982 geboren und in Chemnitz aufgewachsen, präsentiert im Foyer des Technikums der Westsächsischen Hochschule Zwickau ihr beleuchtetes, transparentes Glasbild „Scientia agitur“. Das Werk misst 450 x 200 cm und positioniert sich an der Wand gegenüber dem Haupteingang. Abgebildet ist eine abstrahierte Landschaft aus Zahnrädern.

Der lateinische Titel bedeutet „Wissenschaft in Bewegung“ und verweist auf das Ineinandergreifen von Zahnrädern. Die Installation steht symbolisch für das Arbeitsprinzip von Forschung und Lehre: Ein dynamisches Zusammenspiel von Rädern – groß und klein – das Innovationen vorantreibt. Transparenz und Lichtführung lassen die Elemente im Raum lebendig werden.

Ein zentrales Motiv des Bildes ist die Kooperation: Studierende und Lehrende arbeiten gemeinsam, um neue Entwicklungsmöglichkeiten zu eröffnen. Der Betrachter wird eingeladen, die Wirkung von Licht, Material und Architektur zu erleben.